Présentation de l'exposition art-écritures-langages
du 12 octobre au 16 décembre 2011
@forum du CRDP de l'académie de Nice

Le CRDP de Nice présente des œuvres issues de l'Artothèque du collège Port Lympia à Nice et du CIAC de Carros.
Ces œuvres, nous permettent d'enrichir et d'approfondir notre connaissance et notre réflexion sur la relation qu'il existe entre l'art, l'écriture et le langage.
Ce lien étroit entre art, l'écriture et le langage soulève de nombreuses interrogations et problématiques ;
Quelle est la place de l'écriture dans l'art?
Quelles formes et manifestations peuvent prendre l'écriture ou le langage dans l'art?

Mais tout d'abord, qu'est-ce-que l'écriture?

L'écriture est élaborée à partir de signes graphiques, mais pour que celle-ci puisse faire sens, ce système et cet ensemble de signes doivent entretenir une relation codifiée avec un langage. L'écriture est un art, puisqu'elle est moyen d'expression, elle permet de « dessiner la parole » ou d'élaborer une forme « langage ». N'oublions pas que les lettres ont d'abord été des images. Les deux premières lettres de notre alphabet, qui lui donne son nom, étaient à l'origine, respectivement, une tête de taureau et une maison. À toutes les époques, s'exprime le souci, derrière les signes abstraits de notre alphabet de retrouver sa dimension figurative.

Cette relation entre l'art, l'écriture et le langage, a toujours trouvé une expression manifeste chez de nombreux artistes et mouvements artistiques. Chaque artiste invente son propre langage, parfois en empruntant les signes conventionnels de l'écriture, parfois en les détournant ou en les inventant. Le signe, la lettre, l'écriture ont notamment trouvé une large place dans plusieurs courants et mouvements de l'art contemporain.

Le Lettrisme
Le mouvement Lettriste crée par Isidore Isou est un art qui met en lettre ce qu'on entend: bruit, sons, voix humaine.

L'Art Brut
Créé par le peintre Jean Dubuffet et par le poète André Breton. Les supports sont souvent des matériaux de récupération : vieilles planches, tôles, plaques publicitaires… des mots, des extraits de textes, des lettres répétées se retrouvent dans les œuvres de plusieurs de ces créateurs. L'invention d'une typographie, à partir d'un alphabet connu, déformé, et les variations d'échelle au sein d'une même page d'écriture, voire d'un même mot, sont caractéristiques.

COBRA
Le mouvement Cobra (COpenhague, BRuxelles, Amsterdam) a été créé en 1948 et dissout en 1951. Le dessin expressif, simplificateur et la couleur s'entremêlent, à la limite de l'identifiable. Les membres de Cobra utilisent des couleurs franches. Ils imbriquent des textes manuscrits dans leurs œuvres.

Le Pop-Art
Ce mouvement apparu au milieu des années 1950 constitue un véritable phénomène de société. Les artistes expérimentent les procédés techniques les plus récents de l'industrie: peinture acrylique, collage sur toile de nouveaux matériaux, sérigraphie. La figuration s'inspire de la publicité, des magazines, de la bande dessinée, de la télévision.

Le Nouveau-Réalisme
Les Affichistes de ce mouvement privilégient les mots et les images politiques, les portraits célèbres, les personnages et sujets de la vie quotidienne.

Fluxus
Le mouvement Fluxus apparaît aux Etats-Unis en 1961 lors d'une soirée musicale expérimentale. Les créations de Ben où l'écrit sur différents supports est l'une des dominantes. Fluxus développe également le « mail art » ou art postal, moyen de communiquer par la poste. Ici, le message tient autant dans l'image que dans le texte. Les supports sont variés : enveloppes, cartes postales, collages, poèmes, objets. L'important, c'est qu'ils puissent circuler par voie postale. De véritables réseaux de "mail-artistes" se créent à travers le monde.

L'Art Conceptuel
Cette forme d'art qui est le prolongement des mouvements d'avant-garde, est apparu à New-York en 1965. Le tableau est remplacé par un concept. C'est la réduction de l'art à des idées pures, des idées qui peuvent ainsi devenir des formes d'art. Ces idées, ces concepts se présentent sous la forme de déclamations chantées ou parlées, de réflexions, de citations philosophiques, poétiques ou linguistiques. Ce sont aussi de petits livres, des textes illustrés, des mots écrits sur les murs des galeries, des toiles animées de formules mathématiques.

Le CRDP de Nice tient à remercier l'Artothèque du collège Port-Lympia ainsi que le CIAC de la ville de Carros pour leurs prêts d'œuvres, ainsi que la DAAC du Rectorat de l'académie de Nice pour son inverstissement.

Arman réalisa un très grand nombre d’œuvres imprimées sur papier, utilisant diverses techniques : lithographie, gravure, sérigraphie, pointe-sèche, eaux-fortes ; il réalisa également des œuvres dans le cadre de la bibliophilie : albums, livres illustrés, livres-objets, un domaine d’expression qui le passionna. Arman n’a jamais prétendu être lithographe, graveur ou sérigraphe, il évoquait simplement le désir éprouvé dans cette forme d’expression artistique.
On retrouve dans ce domaine, comme dans ses autres modes d’expressions les thèmes et motifs récurrents de l’artiste : les accumulations, les violons, les colères, les empreintes.

Cette œuvre, intitulée « Carnaval », est une lithographie en dix couleurs tirée sur arche pour le portfolio « Carnaval, roi du rire » en 1990, composé également des œuvres de Ben, César, Farhi, Sosno et Tobiasse.

Arman « Ecole de Nice »

Cette lithographie, réalisée pour la Galerie Alexandre de La Salle s’inscrit dans une démarche caractéristique de l’artiste autour des empreintes avec notamment la série des « cachets », réalisée à l’aide de tampons encreurs. Ici Arman accumule des lettres et des noms d’artistes de l’Ecole de Nice.

«  Mon intérêt pour le signe, la lettre, le chiffre, a déclenché une série de recherches qui furent au commencement de mes premiers travaux personnels. A l’origine, deux rencontres stimulantes : un numéro spécial d’« art d’aujourd’hui » intitulé « le graphisme » ; une exposition de Kurt Schwitters à la galerie Berggruen à Paris. Dans « art d’aujourd’hui », ce fut surtout l’article sur Werhmann qui m’intéressa ; l’œuvre de Schwitters, qui utilise le matériel imprimé et des pièces faites avec des tampons encreurs, m’influença directement. Ce qui suivit fut la conséquence des exercices et essais dérivés de ces premières œuvres »
Arman, New York, novembre 1983

Ben et ses écritures
Ben, de son vrai nom Benjamin Vautier, est un artiste français d’origine suisse, né en 1935 à Naples. Membre du groupe Fluxus et proche du Lettrisme, il devient connu du grand public à partir des années 1960, notamment à travers ses « écritures ».
Celles-ci consistent souvent en des messages humoristiques ou sarcastiques, des pensées qui traversent son esprit qui constituent autant de réflexions sur l'art que de moyens d'intégrer la vie quotidienne dans l'art.
Elles se caractérisent presque systématiquement par un texte manuscrit blanc positionné sur fond noir. Son écriture attachée et enfantine, lisible par tous est généralement composée de peu de mots qui forment un appel au lecteur et l’interpellent dans la foule de visuels qui l’entourent.
Le mot, la pensée, le slogan et l'écriture sont à la base de son œuvre. « L'écriture Ben » est devenue sa marque de fabrique et de reconnaissance, choisie récemment pour les graphismes accompagnant les stations du tramway de Nice.

Pour Chiari (1926-2007), musique et art s'exprimaient de manière « totale » car totale était sa vision du monde.
En s'affranchissant de toute fidélité aux matériaux et aux techniques, il échappait à l'immédiate reconnaissance du marché et à son instrumentalisation. L'art pouvait ainsi aller d'une "production d'objets" vers une "production d'expérience". L'action musicale et gestuelle, le fragment, le document, la photocopie, la presse typographique, la feuille, le livre, l'instrument manipulé, le papier, le mot, le son, etc., sont tous des éléments que Chiari employait pour visualiser au maximum sa transgression du "continu", comme recherche d'éléments nouveaux et inédits, à insérer dans le jeu de l'Histoire de l'Art. Son travail agissait dans un système de logiques de type « paraconsistant », qui admettaient justement des formes de contradiction. On atteint ainsi une sorte de bouleversement du postulat leibnitien : ce ne sont pas les mondes possibles qui fondent les lois de la logique ; au contraire, c'est nous qui choisissons les idées diverses d'un monde possible, selon nos exigences logiques. Les figures des auteurs musiciens Sylvano Bussotti et Giuseppe Chiari furent centrales pour la formalisation de cette portée de connaissance en musique et en art, le métabolisant en des langages inédits. Mais c'est avec l'Architecture Radicale, née à Florence en 1965/66*, que ce paradigme de l'indétermination trouve un témoignage historique indélébile.
Giuseppe Chiari a pris part à quatre Biennales de Venise et à quatorze Festivals Fluxus en Europe. Le Kunsthalle du Fridericianum Museum de Kassel lui a dédié une grande rétrospective en 2001 et la Galerie Nationale d'Art Moderne de Rome a réalisé une exposition de son œuvre en février 2005.

Texte issu du site www.galerie-depardieu.com

« Sans l’idée de partition, la musique retrouve sa violence » : phrase énigmatique mais très symptomatique de la vision musicale du groupe Fluxus, basée sur l’expérimentation et la performance.

Le vocabulaire pictural de Faniest est imprégné à chaque période d'un dynamisme étonnant, écritures tourbillonnantes, formes souvent telluriques, matières irradiées, calligraphies initiatiques, taches d’encres profondes, intensités chromatiques rayonnantes.
Les puissances évocatoires de chacune des compositions, témoignent d’une continuité dans les multiples explorations qui entraînent l’homme à pénétrer dans un monde différent.
Sa connaissance absolue du métier de peintre trouve une traduction dans d'intéressantes recherches picturales, de la figuration à l'abstraction, sans omettre de superbes calligraphies. Il met ses qualités au service de multiples mouvances alliant la tonicité tonale à l'écriture de la matière, offrant plus récemment l'approche des reliefs, des vinyles, des papiers froissés. Son itinéraire est celui d'une avant-garde non vieillie, qui révèle une peinture respectée et revendiquée.

Cette œuvre intitulée « Ecritures » s’inscrit dans les recherches de Pierre Faniest sur les reliefs ; la peinture est déposée en surépaisseur en une succession de couches organisées en ligne, laissant le reste de la toile apparente. Le rythme de ces bandes horizontales successives de tonalités foncées séparées d’espaces vides tous égaux crée l’illusion d’une page manuscrite démesurément agrandit et rattache également cette œuvre au travail sur la calligraphie de l’artiste.

Le mouvement Fluxus apparaît aux Etats-Unis en 1961 lors d'une soirée musicale expérimentale. Les créations de Ben où l'écrit sur différents supports est l'une des dominantes. Fluxus développe également le « mail art » ou art postal, moyen de communiquer par la poste. Ici, le message tient autant dans l'image que dans le texte. Les supports sont variés : enveloppes, cartes postales, collages, poèmes, objets. L'important, c'est qu'ils puissent circuler par voie postale. De véritables réseaux de "mail-artistes" se créent à travers le monde.

L'Art Conceptuel
Cette forme d'art qui est le prolongement des mouvements d'avant-garde, est apparu à New-York en 1965. Le tableau est remplacé par un concept. C'est la réduction de l'art à des idées pures, des idées qui peuvent ainsi devenir des formes d'art. Ces idées, ces concepts se présentent sous la forme de déclamations chantées ou parlées, de réflexions, de citations philosophiques, poétiques ou linguistiques. Ce sont aussi de petits livres, des textes illustrés, des mots écrits sur les murs des galeries, des toiles animées de formules mathématiques.

Le CRDP de Nice tient à remercier l'Artothèque du collège Port-Lympia ainsi que le CIAC de la ville de Carros pour leurs prêts d'œuvres, ainsi que la DAAC du Rectorat de l'académie de Nice pour son inverstissement.

Tout au long de ces quarante dernières années, depuis ses premières performances « Fluxus » avec Ben et Serge III, Jean Mas n'a cessé de travailler une très riche et prolifique matière artistique mêlant discours, gestes, œuvres et humour.
Dans cette œuvre intitulée « Fluxus Fin », il détourne une affiche touristique de la Belle Epoque représentant la fameuse bouquetière niçoise.

 

Depuis 1973 Jean Mas a posé la cage à mouches comme symbole de sa démarche artistique.
La cage à Mouches est la réminiscence d’une pratique enfantine propre à certains écoliers qui, avec un bouchon de liège évidé et des épingles, fabriquaient de petites cellules pour y enfermer les mouches attrapées pendant la classe. Les cages, objets détournés du sens ludique de l’enfance ne seront plus représentées par Jean Mas que vides et se déclinent en noir et blanc, en couleur, à la boutonnière, en tableau, en meuble et même en sculpture.
 Il invente autour de la cage à mouches d’autres aventures et rencontres : conférences, « happenings », performances et actions de rue et même une distinction honorifique « l’Ordre de la cage à mouches ».

Les sujets de Renouf les plus apparentés à l'hyperréalisme outre-Atlantique sont les carrosseries rutilantes des voitures américaines et les parties de corps de femmes mannequins qu'on croirait tout droit sorties d'un papier glacé de magazine. Ses œuvres évoluent à la fois dans un monde contemporain avec ses références à la société de consommation et un univers fantasmé, très proche des surréalistes tel Salvador Dali.
Georges Renouf, comme tous les hyperréalistes, refuse de laisser une empreinte purement picturale, c'est à dire qu'aucune touche de peinture n'apparaît sur la toile, on dit alors que la peinture a un aspect "léché". Il devient presque impossible de reconnaître à l'œil nu quelle technique il a utilisé. Les autres hyperréalistes utilisent souvent la projection de diapositives pour être au plus près du sujet, l'émulsion qui consiste à révéler le cliché directement sur la toile ou encore l'aérographe afin d'obtenir de parfaits dégradés. Georges Renouf quant à lui revendique la façon la plus classique qui soit pour peindre : la peinture à l'huile et les pinceaux. Ce qui rend encore plus impressionnant le rendu parfait des modelés et des textures, notamment par sa maîtrise des ombres et lumières.

 

Mimmo Rotella élabore son vocabulaire formel par l’utilisation de matériaux issus du paysage urbain, en particulier les affiches publicitaires.
C'est à Rome, en 1953, que Rotella arrache ses premières affiches. Affiches politiques, affiches publicitaires, affiches de cinéma vont servir de base à un procédé artistique qui se construit en deux temps : un arrachage sur le lieu d'origine dans la rue, qu’il colle sur une toile, qu’il lacère ensuite, une deuxième fois.
Son travail allie étroitement la destruction, le détournement et l’édification d’une nouvelle réalité. L’artiste reconstitue une image autre, dont il organise la composition selon une formulation abstraite, dictée par les effets de matière et de couleur.
Jusqu’en 1959, il préfère décoller des affiches aux motifs abstraits qui s’inscrivaient dans une sorte de continuité de son travail de peintre. Ultérieurement, il en fait émerger les lettres et les mots. À partir de l958, Rotella abandonne l'apparence abstraite de ses œuvres, pour porter un intérêt croissant à l'iconographie de son matériau. En laissant apparaître progressivement des détails figuratifs, il affirme la valeur de l'image en tant qu'élément objectif de la réalité contemporaine.
Dans cette œuvre intitulée « Il Cavalière Rosso » datant de 1963, Rotella fait émerger la figure d’un cavalier sur son cheval.
L’artiste cite sans doute ici l’œuvre du peintre futuriste Italien Carlo Carrà, « le cavalier rouge ». Dans cette peinture futuriste, qui date de 1913, la figure en mouvement se décompose dynamiquement comme dans une séquence de photogrammes cinématographiques. Cette impression de mouvement se retrouve également dans la composition de Rotella, qui fait émerger et apparaître ses figures sous plusieurs couches successives d’affiches déchirées accentuant ainsi le dynamisme de la composition.
 « Arracher les affiches des murs est la seule compensation, l’unique moyen de protester contre une société qui a perdu le goût du changement et des transformations fabuleuses. Moi, je colle des affiches, puis je les arrache : ainsi naissent des formes nouvelles, imprévisibles. Cette protestation m’a fait abandonner la peinture de chevalet. »
(M. Rotella, Rome, 1957)

Peintre et graveur, Gérard Serée a la passion du livre à petit tirage ou livre de bibliophilie ; ainsi il a collaboré en ce domaine à la réalisation d'ouvrages avec des poètes tels que Michel Butor, Raphaël Monticelli, Bernard Noël, James Sacré, ou encore Jean-Marie Barnaud. A l'écoute de ses amis poètes ou écrivains, Serée réalise des gravures, des aquarelles, des collages ou encore des peintures.
Gérard Serée vit son métier au prisme de la passion ; très sensible aux odeurs des encres, à celle du papier mouillé ou à la beauté des presses, il aime par-dessus tout l'atmosphère qui règne dans les ateliers de gravure ou de sérigraphie, son plaisir à manipuler les outils servant à exprimer son art est une évidence.

 

C'est à partir des années 1970 que la ligne, sous toutes ses variantes mathématiques et ses manifestations physiques, prend une place prépondérante dans le travail de Bernar Venet.
Sa faculté d'abstraction et son goût pour le raisonnement et le langage mathématiques lui permettent d'introduire une « certaine objectivité dans l'art ». Dès lors, Bernar Venet n'a eu de cesse de développer et multiplier les figures géométriques qui y renvoient. Ainsi les « Lignes indéterminées » sont aux côtés des « Arcs », les œuvres qui lui ont conféré une notoriété mondiale. Les dessins de Venet, crées en rapport aux sculptures, sont des éléments issus d'une expérimentation qui ont leur existence propre et ne sont pas assimilables à des travaux préparatoires, mais à des œuvres à part entière.
De facture classique, ils explorent de manière très « illusionniste » les déclinaisons possibles d´une sculpture donnée selon un point de vue arbitraire, prouvant ainsi qu´il n´y a pas de forme ou de proportion idéale.

Extraits du communiqué de presse de l'exposition "Bernar Venet lignes indéterminées: L'espace de la perturbation"
Galerie Jérome de Noirmont

Outre l'écriture et la peinture, André Verdet s'intéressa à l'astrophysique. En 1985 il exposa ses œuvres au Palais de la Découverte à Paris, où un récital poétique-concert sera donné avec une projection simultanée d'œuvres picturales sur la voûte étoilée du planétarium. Son œuvre suscita l'intérêt de maints chercheurs de l'astronomie et de l'astrophysique, et il y présenta notamment ses « tableaux théorèmes » et ses « cosmogonies ». Il fut le seul à expliquer que : « seul l'espace s'éternise, que le temps lui s'agrège à l'espace. »

 

Cette œuvre est un livre sculpture. Les pages et le coffret dans lequel elles s’emboîtent sont en plexiglas. Chaque page contient une strophe du poème de Verdet sur un côté, « le fixe », et une œuvre de Kijno composée de papiers découpés et de petites boules qui roulent sur la surface de la page sur l’autre côté, « le mobile ». Les éditions Jacques Boulan ont longtemps édité des livres d’artistes d’exception. Jacques était un ami de longue date d’André Verdet et c’est tout naturellement qu’il lui a proposé de collaborer avec Ladislas Kijno, proche d’André Verdet. Si l’écriture de Verdet s’ancre dans le temps, voir dans l’immortalité (« le fixe »), l’œuvre de Kijno reste à inventer par le lecteur qui fait rouler les billes en manipulant les pages. Le livre est numéroté E.A, qui veut signifie « épreuve d’artiste » qui est traditionnellement réservée soit à l’artiste, soit à l’écrivain, soit à l’éditeur. Il s’agit donc ici de l’épreuve personnelle d’André Verdet qui en a fait don à la commune de Carros.